La pintura entre las bellas artes
La pintura es una de las Bellas Artes de la humanidad, junto con la literatura, la escultura, la música, la danza, la arquitectura, el cine o la fotografía. Y es probablemente una de las más antiguas que se conocen. Las diversas técnicas pictóricas han evolucionado históricamente, imprimiendo el color, la luz y la textura sobre un lienzo de papel, tela o cualquier otra superficie que lo permita (una pared, un trozo de madera, etc.). Las obras de los grandes pintores de la historia se preservan en museos, centros eclesiásticos y otras instituciones, y forman parte del acervo histórico y artístico de las naciones, así como un patrimonio espiritual de la humanidad.
La pintura se inicia como técnica de expresión humana hace más de 30.000 años, con las primeras pinturas rupestres en las paredes de las cavernas que habitaban los hombres primitivos. La pintura acompañó los lugares ceremoniales y funerarios de las civilizaciones antiguas, como los túmulos funerarios egipcios, los templos romanos o las catacumbas cristianas paleocristianas. Su evolución ha sido progresiva, pero desde un punto de vista docente, valdría la pena recordar tres momentos claves en la historia de la pintura: (1) a partir del Renacimiento europeo, la pintura se impuso, junto a la escultura, como una de las grandes formas de expresión humana, siendo muy cultivada por artistas de la talla de Miguel Ángel, Rafael o Leonardo da Vinci; (2) en el siglo XIX, las tensiones entre el romanticismo alemán y la Ilustración francesa dieron lugar a numerosas expresiones pictóricas de importancia; y (3) a lo largo del siglo XX fueron apareciendo las vanguardias, bajo la conducción del cubismo, surrealismo, el arte abstracto y otras tendencias estéticas similares.
Algunos pensamientos de grandes artistas nos hablan de la importancia de la pintura en nuestras vidas. He aquí un pequeño decálogo:
1.- “La pintura es poesía muda; la poesía, pintura ciega” – Leonardo da Vinci.
2.- “Un hombre pinta con sus sesos, no con sus manos” – Miguel Ángel Buonarroti.
3.- “Sueño mis pinturas y luego pinto un sueño” – Vincent van Gogh.
4.- “La pintura completa mi vida” – Frida Kahlo.
5.- “La calidad de un pintor depende de la cantidad de pasado que lleve consigo” – Pablo Picasso.
6.- “Después de todo, la pintura se ha de hacer tal como uno es” – Juan Gris.
7.- “Una pintura es una fotografía hecha a mano” – Salvador Dalí.
8.- “Toda pintura es un hecho: las pinturas están cargadas con su propia presencia” – Andy Warhol.
9.- “El pintor es el artista que toma más decisiones por minuto mientras trabaja” – Antonio Saura.
10.- “El estilo es el reflejo de las ideas de un pintor” – Fernando Botero.
La fusión de cine y pintura en la gran pantalla
Dicen que no hay nada mejor para aquellos que aman las artes que poder apreciar dos tipos de expresiones artísticas al mismo tiempo. Justo esto acaece cuando se realiza una película que trata sobre la vida y obra de un artista, y más cuando estos son grandes exponentes que han influido en la historia de la pintura. Entonces el cine se llena de distintos tonos, toda una paleta de colores fundamentada en sus biopics.
En esta primera parte del artículo recopilaremos ejemplos, enumerados por año de estreno de la película, desde 1936 hasta 2004. A través de las distintas películas nos adentraremos de una forma muy visual en el mundo del arte y de sus creadores. Una revisión relativamente profunda del tema, pero en la que, a buen seguro, habrán quedado algunos títulos en el tintero. Comencemos…
Rembrandt (Alexander Korda, 1936, Reino Unido)
Es una película biográfica sobre el célebre pintor holandés, interpretado por Charles Laughton. En 1642, una vez alcanzada la cima de la fama, muere repentinamente su adorada esposa. Desde ese momento, su pintura se vuelve más oscura y dramática y comienza a disgustar a sus mecenas. En 1656, Rembrandt está arruinado, pero se consuela con la compañía de la bella Hendrickje (Elsa Lanchester), con la que no llega a casarse. Esta relación extraconyugal lo condena al ostracismo, aunque también le proporciona algunos momentos de felicidad.
Moulin Rouge (John Huston, 1952, Reino Unido)
Décadas antes de que Baz Luhrmann deslumbrara al mundo entero con su musical homónimo en el que brillaban Nicole Kidman y Ewan Mcregor, John Huston exploraba los entresijos del famoso barrio de Montmartre evocando la mirada del gran pintor Tolouse-Lautrec (José Ferrer). Esta emblemática propuesta creada en los inicios del Technicolor, acabó alzándose merecidamente con dos Óscar: mejor dirección artística y mejor vestuario.
El loco de pelo rojo (Lust for Life, Vicente Minnelli, 1956, Estados Unidos)
Es un clásico biopic del Hollywood dorado. La historia se fundamenta en la figura del famoso pintor impresionista Vincent van Gogh (Kirk Douglas) y se basa en la novela Lust for Life de 1934 escrita por Irving Stone. En ella, se retrata la atormentada vida del artista a partir de su obra, que no es más que un reflejo de la ansiedad, la sensación de fracaso y la soledad que lo llevaron finalmente a la locura. Durante su vida, se muestra cómo procuró desarrollar su genio pictórico en contacto con otros artistas, como Seurat, Monet, Pissarro o su mejor amigo, Paul Gauguin (Anthony Quinn), y se exponen sus mejores influencias: los fenómenos naturales, la luz, el sol, el viento y las estrellas.
El misterio de Picasso (Le Mystère Picasso, G. Cluzot, 1956, Francia)
Supone un retrato intimista del proceso creativo del genial Picasso. H.G. Cluzot se introduce en el estudio del artista y filma muy de cerca la creación de una obra, en un filme que destaca por su movimiento y plasticidad. Al final, la película logra convertirse en un drama psicológico que desnuda al artista, con sus frustraciones y miedos.
Los Amantes de Montparnasse (Les amants de Montparnasse, Jacques Becker y Max Ophüls, 1958, Francia)
En Montparnasse, el barrio bohemio de París, se cuenta la historia de amor entre la joven burguesa Jeanne (Lilli Palmer) y el pintor italiano Modigliani (Gérard Phillipe). Este arrastraba una miserable y tormentosa existencia, perdido entre el alcohol y las mujeres por la incomprensión de su arte. Se dice que la brutal interpretación de Gérard Phillipe la realizó al vivir en primera persona su propio final, porque el actor se estaba muriendo durante el rodaje y acabó falleciendo a los 36 años, la misma edad con la que Modigliani pasó a mejor vida.
El tormento y el éxtasis (The Agony and the Ectasy, Carol Reed, 1963, Estados Unidos)
Narra la particular relación entre Miguel Ángel (Charlton Heston) y el Papa Julio II (Rex Harrison), y sus enfrentamientos durante la creación de los frescos para decorar la bóveda de la Capilla Sixtina entre los años 1508-1512. Una película de 139 minutos que comienza, durante los primeros trece minutos de metraje, con una clase magistral de la escultura en mármol de Miguel Ángel y concluye con una sentencia: “La Capilla Sixtina es la obra maestra de un escultor que no quería pintar”. Uno de los aspectos más atrayentes del filme, basado en la novela The Agony and the Ectasy de Irving Stone, es el modo bastante didáctico de mostrar las diferentes técnicas empleadas y la forma de trabajar del artista para realizar los frescos. A pesar de ello, quizás la obra más fiel del personaje sea la película italiana Miguel Ángel (El pecado) (Il peccato, Andrei Konchalovsky, 2019), interpretado de forma soberbia por Alberto Testone, con mucho menos glamur que Charlton Heston, pero más aproximado a su figura histórica.
El Greco (Luciano Salce, 1966, Italia)
Se centra en el momento en el que El Greco (Mel Ferrer), quien ya es un pintor que goza de grandes influencias, es detenido por la Inquisición y acusado de herejía. Esa imputación le impide conocer a su hijo hasta que años después, cuando se le presenta como aprendiz. La sensibilidad de esta película italiana es aderezada por la música del gran Ennio Morricone.
Andrei Rublev (Andrei Tarkovsky, 1966, Rusia)
La biografía del monje-pintor ruso Andrei Rublev, famoso por sus iconos, sirve de base a Tarkovsky para hacer un minucioso retrato de la vida social, política y artística en la Rusia de principios del siglo XV. Este título fue el primer papel destacado del actor ruso Anatoly Solonitsyn, que más tarde se convertiría en actor habitual de las películas de Tarkovsky.
Edvard Munch (Peter Watkins, 1974, Noruega)
Es un biopic para televisión sobre el pintor expresionista noruego, Edvard Munch. Tratada desde una perspectiva casi documental (con un metraje de más de tres horas y media), el filme cubre la vida de este artista durante un periodo de treinta años, enfocándose en aquellos acontecimientos de su vida que influenciaron su arte. El hecho de que muchos de los diálogos fueran tomados del diario íntimo de Edvard Munch y que los personajes estuvieran interpretados por actores amateurs otorga un tono característico cercano al documental ficticio.
Caravaggio (Derek Jarman, 1986, Reino Unido)
El pintor Michelangelo Merisi (Nigel Terry), nacido en Caravaggio, se está muriendo lejos de su hogar. En el lecho de muerte recuerda los comienzos de su vida como pintor, desde Milán, donde se inicia como pintor en diferentes talleres, hasta que establece un taller propio en la Roma de los Papas, ganándose el favor de la Iglesia, que le encarga numerosas obras. Llegan entonces la fama, el dinero, sus amores homosexuales –especialmente con Ranuccio (Sean Bean)–, las intrigas políticas y religiosas, la envidia y el crimen
La pasión de Camille Claudel (Camille Claudel, Bruno Nuytten, 1988, Francia)
Camille Claudel (Isabelle Adjani) dedicó a la escultura gran parte de su vida y tuvo como maestro a Auguste Rodin (Gérard Depardieu), quien la convirtió en su musa y en su amante. Entre ambos surgió una tormentosa relación amorosa plagada de crisis y rupturas. Al final de su vida, Camille vivió como una mendiga y acabó siendo internada en un psiquiátrico por sus problemas mentales. En este sentido, cabe citar la también francesa Camille Claudel 1915 (Bruno Dumont, 2013), centrada en ese año en el que la escultora (aquí interpretada por Juliette Binoche) es internada por su familia en un asilo de enfermos mentales al sur de Francia. Ya no vuelve a esculpir jamás y permanece a la espera de la visita de su hermano, el escritor Paul Claudel. En esta, Bruno Dumont decidió rodar en en un manicomio, donde actuaron rodeados de auténticos pacientes con problemas mentales.
Mi pie izquierdo (My Left Foot, Jim Sheridan, 1989, Irlanda)
El relato autobiográfico del pintor y escritor irlandés Christy Brown, quien consiguió superar, gracias a su constancia y esfuerzo, los obstáculos de su parálisis cerebral para convertirse en todo un referente dentro del mundo del arte. Su historia nos habla sobre el ansia de la indomable naturaleza humana por superar todas las trabas de la vida y así conseguir los sueños propuestos. En los Óscar de 1989, la película se alzó con cinco estatuillas, entre ellas la de mejor actor para Daniel Day-Lewis, en una de las mejores actuaciones dentro del contexto de biopics de pintores.
Van Gogh (Maurice Pialat, 1991, Francia)
Presenta una exquisita aproximación a la etapa final de uno de los artistas más importantes de la era moderna. La compleja y atormentada personalidad del pintor neerlandés es excelentemente representada por el cantante y actor Jacques Dutronc, en una gran interpretación del maestro del posimpresionismo.
El sol de membrillo (Víctor Erice, 1992, España)
Es una película con tono documental, dirigida por el gran Víctor Erice, sobre el pintor hiperrealista Antonio López. A través de la contemplación de un membrillo, se nos acerca al proceso creativo del artista manchego. Una clase magistral de tempo pausado y asombrosa sencillez que trata de seguir el rastro evolutivo de la creación de una obra de arte. Es un filme de autor, personal y diferente que no deja indiferente (o atrapa o aburre), pero que a los amantes de la pintura les llegó a fascinar hasta el punto de convertirse en una referencia del mundo artístico.
Carrington (Christopher Hampton, 1995, Reino Unido)
Dora de Houghton Carrington, conocida como Carrington (Emma Thompson), fue una pintora y decoradora inglesa de principios del siglo XX, recordada en parte por su asociación con miembros del círculo de Bloomsbury. Christopher Hampton recupera su figura para contar una historia que transita alrededor de los amores de la artista y, especialmente, del amor eterno y tan especial con el escritor Lytton Strachey (Jonathan Pryce).
Sobrevivir a Picasso (Surviving Picasso, James Ivory, 1996, Estados Unidos)
Es un drama que retrata la vida del universal Pablo Picasso (Anthony Hopkins), sus amores y pasiones. En 1943, la joven pintora Françoise Gilot (Natasha McElhone) conoce a Picasso y durante los siguientes diez años será su musa y pareja, proporcionándole inspiración y dos hijos. También verá cómo otras mujeres aparecen en la vida de Pablo (Dora Maar, Marie-Thérèse…), quienes deberán soportar los caprichos, el extraño sentido del humor y la extravagancia del artista.
Basquiat (Julian Schnabel, 1996, Estados Unidos)
Biografía de Jean-Michel Basquiat (Jeffrey Wright), un joven pintor vanguardista que pintaba graffitis en Brooklyn y llegó a ser uno de los personajes más controvertidos y famosos de la pintura contemporánea mundial. Tras ser descubierto por Andy Warhol (David Bowie), a principios de los 80, sus exposiciones se convirtieron en un acontecimiento dentro del mundo artístico neoyorquino. Mientras sus cuadros eran adquiridos por importantes museos y coleccionistas privados, él, incapaz de digerir un éxito tan fulgurante, se sumergió en el mundo de las drogas y murió de una sobredosis a los 27 años.
Yo disparé a Andy Warhol (I Shot Andy Warhol, Mary Harron, 1996, Estados Unidos)
Es un filme de cine independiente basado en una historia real. Después de escribir un guion para una película Valerie Solanas le propuso a Andy Warhol para que se la produjera, pero, cuando el artista lo rechazó, ella le disparó.
Artemisia (Agnès Merlet, 1997, Francia)
Cuenta la historia de la vida de Artemisia Gentileschi (Valentina Cervi), pintora barroca italiana del siglo XVII, representante del caravaggismo, y considerada en la actualidad como la primera mujer pintora de la historia. Era solo una adolescente de diecisiete años cuando la pasión por el arte y la vida la llevaron a transgredir las normas morales de la época, donde debía ocultar su talento trabajando para su padre. Su afán de trabajar con el desnudo masculino, con modelos reales y su relación aprendiz/ amante Agostino Tassi (Miki Manojlovic), se convirtieron en la excusa para ser tachada de inmoral en la sociedad de aquel entonces.
El amor es el demonio. Estudio para un retrato de Francis Bacon (Love is the Devil. Study for a Portrait of Francis Bacon, John Maybury, 1998, Reino Unido)
Este filme refleja a la perfección esa tormentosa relación entre Francis Bacon (Derek Jacobi) y George Dyer (Daniel Craig), así como ese mundo de Bacon lleno de artistas, prostitución y drogas –un muy variado conjunto de individuos grotescos de la bohemia del Soho de los años 60–. Ante todo, es un viaje imaginario en el que coexisten hasta la destrucción los deseos y sufrimientos de dos seres humanos. La música de Ryuichi Sakamoto pone el contrapunto a esta historia.
Toulouse-Lautrec (Lautrec, Roger Planchon, 1998, Francia)
Narra el amor entre el famoso pintor Henri de Toulouse-Lautrec (Régis Roger) y la bella Suzanne Valdon (Elsa Zylberstein). Asimismo, nos traslada a la efervescente época de la Belle Époque a ritmo de can-can y en los alrededores del Moulin Rouge parisino.
Goya en Burdeos (Carlos Saura, 1999, España)
Es una película biográfica de Goya (José Coronado de joven, Francisco Rabal de anciano). Desde su lecho de muerte, este le narra a su hija los hechos que marcaron su vida en la ciudad de Burdeos, donde vivía exiliado junto con Leocadia Zorrilla de Weiss (Eulalia Ramón), la última de sus amantes. La obra de Saura fue una de las grandes triunfadoras de los Premios de la Academia Española –que llevan el nombre del propio pintor– con 10 nominaciones y 5 premios en aquel año. Carlos Saura dirigió una película más sobre el genio maño: Goya, 3 de mayo (2021). En ella se reconstruye fielmente la escena plasmada por Goya en su cuadro y, para llegar a esta icónica imagen final, propone al espectador un viaje que comienza con una inmersión en el horror de la guerra a través de las brutales imágenes de Goya en la colección de grabados Los desastres de la guerra.
Pollock: la vida de un creador (Pollock, Ed Harris, 2000, Estados Unidos)
Situada en Nueva York en los años 40, esta cinta expone cómo Jackson Pollock (Ed Harris, actor y director de esta película) y Lee Krasner (Marcia Gay Harden, quien recibiera el Óscar a mejor actriz secundaria), ambos pintores, se convierten en amantes al encontrarse en la Gran Manzana. Ella se entrega totalmente al arte de Pollock, quien pasa a ser su esposo, y comienza a crear la obra que lo convierte en el primer pintor moderno de Estados Unidos. En este recorrido dramático se puede ver cómo la fama y la fortuna interceden en su relación.
Frida (Julie Taymor, 2002, Estados Unidos)
Se aproxima a la vida de Frida Kahlo, la pintora mexicana más icónica del siglo XX y que se destacó por su vida y por sus obras surrealistas. El filme muestra su arte, siempre leal a sus creencias, y su vida personal, especialmente sus relaciones amorosas y cómo los acontecimientos que fueron marcando su vida se veían reflejados en sus pinturas. Centrada en la tormentosa relación de Frida (Salma Hayek) con Diego Rivera (Alfred Molina), desde su larga y complicada vinculación con su mentor y marido, hasta su controvertido e ilícito affaire con Leon Trotsky (Geoffrey Rush), pasando por sus provocativas aventuras amorosas con mujeres. Y donde nuestro Antonio Banderas es otro muralista mexicano, en este caso David Alfaro Siqueiros.
Ebrio de mujeres y pintura (Chihwaseon, Im Kwon-taek, 2002, Corea del Sur)
Jang Seung-eop es un aclamado pintor coreano del siglo XIX poco conocido fuera de sus fronteras. Esta película que a muchos puede descubrirles su figura, nos explica cómo comenzó siendo un niño huérfano hasta que es adoptado por un consumado pintor que le enseña todos los secretos de su arte. Como apunte, el actor principal, Choi Min-sik, protagonizó un año después la aclamada y conocida película Oldboy.
La joven de la perla (Girl With a Pearl Earring, Peter Webber, 2003, Reino Unido)
Se sitúa en la Holanda del siglo XVII alrededor de Johannes Vermeer (Colin Firth) y su relación con Griet (Scarlett Johansson), la joven criada con dotes para percibir la luz y el color. Y es así como Maria Thins, la suegra de Vermeer, al ver que Griet se ha convertido en la musa del pintor, decide no inmiscuirse en su relación con la esperanza de que su yerno pinte más cuadros. Finalmente, el maquiavélico Van Ruijven (Tom Wilkinson), envidioso de la intimidad de la pareja, se las ingenia para que Vermeer reciba el encargo de pintar a Griet y cuyo resultado será una magnífica obra de arte, posiblemente su obra más icónica. Cabe recordar también la película documental francesa El mundo en un cuadro de Vermeer (Le monde dans un tableau: Le chapeau de Vermeer, Nicolas Autheman, 2020), libremente inspirada en la célebre novela del canadiense Timothy Brook titulada Vermeer´s Hat: The Seventeenth Century and the Dawn of the Global World. En ella Autheman nos propone entender la globalización en la que vivimos gracias a un lienzo sencillo del siglo XVII, casi anecdótico, del pintor holandés y titulado El oficial y la joven que ríe pintado en 1650.
Modigliani (Mick Davis, 2004, Reino Unido)
Está fundamentada en la vida del artista judío Amadeo Modigliani, sitúa su acción en París a mediados de la década de 1900. Con elementos de la ficción, este trabajo primordialmente biográfico expone los conflictos que enfrentó este pintor (Andy García) para posicionarse entre los principales artistas de la época. Se muestra su relación competitiva entre Picasso (Omid Djalili), y amistosa con Maurice Utrillo y Chaim Soutine. Modigliani tiene una amante, Jeanne Hébuterne (Elsa Zylberstein), una chica católica cuyo padre no puede tolerar que su hija esté enamorada de un judío. En este sentido cabe citar también dos películas italianas, la de ficción, Modi: la vida de Amadeo Modigliani (Modi, Franco Brogi Taviani, 1989), y la documental, El indomable Modigliani (Maledetto Modigliani, Valeria Parisi, 2020).
Firma: Javier González de Dios y Iván Carabaño Aguado
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