Los odiosos ocho

La octava película de Quentin Tarantino es larga y autorreflexiva y se despliega en una estructura de cinco capítulos rotulados, que subrayan la mano que mece el guión desde fuera. Lo cierto es que Tarantino siempre habla de cine a los que les gusta el cine y aquí -con uno de sus géneros fundacionales como telón de fondo- añade en la trama otros elementos que forman parte del arte de contar historias: la mentira y la escenificación, algo también muy omnipresente en su Malditos bastardos.

Al mismo tiempo, Tarantino no renuncia a estirar el potencial del espagueti western hasta transformarlo en un nuevo juguete suyo estilístico con el que también hilvana un discurso (visceral, caricaturesco, no sistemático y sin ninguna voluntad de ser coherente) sobre Norteamérica, su historia, y la continua pervivencia de sus problemas raciales y de violencia.

Con su habitual habilidad, este cineasta combina el espíritu del western (escenarios naturales, la oposición entre espacios abiertos y cerrados y de perímetros absolutamente opuestos, sus tipologías de personajes y profesiones y una visión amoral y algo calvinista del obrar humano movido por la recompensa) con momentos muy cercanos al teatro introspectivo y casi solipsista, e incluso con varios pasajes impregnados de un suspense hitchcockiano. En esta línea, el guión se deja llevar por un uso, en apariencia, caprichoso de la estructura temporal para deparar varias sorpresas, así como por una presencia también algo aleatoria del narrador.

En Los odiosos ocho apenas se puede rastrear algo que sea nuevo en la carrera de este director. Su visión crítica y al mismo tiempo juguetona de la historia y la política y su obsesiva y coreográfica violencia -que logra varios momentos realmente asquerosos y desagradables- no sorprenden. Quizá lo que sí se nota es una tendencia mayor hacia la ponderación y una mayor lentitud en precipitar los acontecimientos para dar espacio a las palabras y a los gestos demorados de sus personajes. Se trata de un Tarantino más reflexivo sin dejar de ser Tarantino.

Eso sí, una de las bazas grandes de estos ocho es la presencia de Ennio Morricone, que compone una banda sonora donde resuenan las constantes de sus pentagramas: esas percusiones y esos metálicos colocados en el tiempo y espacio preciso del plano y de la escena. En la BSO, como es habitual, aparecen otras canciones clásicas y más recientes -de Roy Orbison, David Hess o The white stripes– en un uso irónico y de contraste en diversos pasajes.

Por otra parte, la dirección de fotografía de Robert Richardson, habitual de Tarantino, alcanza una perfecta coherencia entre los exteriores y los interiores. En este sentido, el trabajo en los amplios espacios nevados lleva el sello del director, que consigue combinar su belleza épica con una manera lírica de encuadrar y montar, por ejemplo, el trote de unos caballos o el estatismo de una cruz de madera en medio de la nada.

Sin embargo, cuando pasan las algo excesivas tres horas de metraje, quedan el aire, además de la pólvora profusa de los revólveres y de la ventisca de nieve, el repaso no resuelto a una problemática todavía en suspenso y también en el aire en el país de retratado en la película y por la película.

Firma: Lourdes Domingo